歌麯寫作教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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黃祖禧 編

圖書標籤:

• 歌麯創作
• 流行音樂
• 音樂教學
• 歌麯結構
• 歌詞寫作
• 作麯技巧
• 和弦進行
• 音樂理論
• 編麯基礎
• 音樂製作

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 中央音乐学院

ISBN：9787810968416

商品编码：29745402419

开本：32

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名稱：歌麯寫作教程
• 作者：黃祖禧
• 定價：32
• 齣版社：中央音樂學院
• ISBN號：9787810968416

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2017-12-01
• 印刷時間：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 開本：32開
• 包裝：平裝
• 頁數：225
• 字數：173韆字

《樂章背後的秘密：配器與編麯的藝術》 本書導讀： 在音樂創作的廣袤天地中，鏇律與歌詞無疑是構建一首歌麯的骨架與血肉。然而，真正讓一首歌麯擁有靈魂、能在聽者心中留下深刻印記的，往往是那些隱藏在錶象之下的精妙結構——配器與編麯。本書《樂章背後的秘密：配器與編麯的藝術》，並非一本教導如何寫齣動人鏇律或深刻歌詞的入門手冊，而是深入剖析如何將已有的音樂構思，轉化為具有層次感、色彩感和情感張力的完整音樂作品的專業指南。 我們假設您已經掌握瞭基本的音樂理論知識，或許已經寫齣瞭幾首令人滿意的Demo或草稿。現在，挑戰纔剛剛開始：如何讓您那首樸素的鋼琴小樣，蛻變成能震撼人心的交響樂章？如何讓一段簡單的吉他Riff，在復雜的節奏編排下煥發齣無窮的魅力？本書將為您揭示這背後的全部奧秘。 第一部分：聲音的調色闆——樂器法與音色設計 本部分聚焦於音樂的“物質基礎”——樂器。我們不會泛泛而談每種樂器的特性，而是深入挖掘它們在不同音樂語境下的潛力與局限。 第一章：傳統與現代樂器的對話 我們將從古典管弦樂團的四大組（弦樂、木管、銅管、打擊樂）入手，詳細分析每種樂器在音域、音色、演奏技巧上的細微差彆。例如，小提琴的顫音（Vibrato）如何烘托悲傷情緒，大提琴的撥奏（Pizzicato）如何創造緊張感。隨後，我們將無縫過渡到現代音樂的核心：電吉他、貝斯、閤成器（Synthesizer）和采樣器（Sampler）。 重點章節探討“閤成器音色雕刻”：如何通過振蕩器（Oscillator）、濾波器（Filter）、包絡（Envelope）和效果器（FX）的組閤，創造齣獨一無二的音色，而非僅僅使用預設。我們將通過實例解析那些標誌性的音色，例如八十年代閤成器流行樂中的“厚重貝斯綫”是如何通過失真和低通濾波實現的。 第二章：層疊的藝術——多聲部織體構建 織體（Texture）是決定音樂聽感密度和清晰度的關鍵。本章將係統介紹對位法（Counterpoint）在現代編麯中的應用，以及和聲織體（Harmonic Texture）的構建技巧。我們不僅會分析巴赫賦格中的織體密度，還會探討爵士樂中復雜的和弦內聲部配置（Voicing）是如何創造“空氣感”和“張力”。 探討如何使用“音樂減法”——即如何知道在何時移除樂器以製造空間感，而非一味地疊加聲音。我們將詳細講解如何使用“填充音”（Fills）和“襯底”（Pads）來平衡主鏇律的突齣性。 第二部分：時間的藝術——節奏與律動的重塑 節奏是音樂的脈搏。本部分將徹底顛覆您對“鼓點”的簡單認知，將其視為一個復雜的、多層麵的節奏機器。 第三章：鼓組的解構與重建 從最基礎的四四拍律動（Four-on-the-floor）開始，深入解析搖滾樂、放剋（Funk）、嘻哈（Hip-Hop）中不同底鼓（Kick）、軍鼓（Snare）和踩鑔（Hi-Hat）的音色選擇和位置安排。我們將分析“律動量”（Groove Quantification）的概念，探討如何通過微小的時值偏移（Swing/Shuffle）來賦予節奏以生命力，使其聽起來“更自然”或“更具攻擊性”。 特殊章節會深入探討非傳統節奏，例如拉丁音樂中的波薩諾瓦（Bossa Nova）或非洲節奏的復雜分層，以及如何利用多重節拍器（Polyrhythm）來創造聽覺上的興奮點。 第四章：低音綫的敘事性 貝斯（Bassline）是連接和聲與節奏的橋梁。本書強調，貝斯不應隻是重復根音。我們將通過分析 Funk、Dub 和電子音樂（EDM）中的貝斯綫，展示其如何獨立承擔鏇律的構建任務。內容涵蓋：如何使用琶音器（Arpeggiator）來增加貝斯綫的動態，以及在不同調性轉換時，如何使用經過音來平滑過渡，避免聽感上的突兀。 第三部分：空間的藝術——結構、動態與情緒驅動 編麯的終極目標是將音樂的能量導嚮特定的情感高峰。本部分關注宏觀的結構設計和動態變化。 第五章：歌麯的建築藍圖——結構編排策略 本書提供瞭一套分析現有流行歌麯結構的實用模型（如 AABA、Verse-Chorus-Bridge），但更側重於“打破規則”的藝術。我們將探討如何通過“動態預備”（Anticipation）和“節奏卸載”（Rhythmic Unloading）來巧妙地引導聽眾進入副歌（Chorus）。 深入分析“樂段長度的心理學”：為何一個八小節的段落會讓人感到滿足，而九小節會産生不適？我們將討論如何通過改變樂段長度來控製聽眾的預期。 第六章：情緒的起伏——動態（Dynamics）與張力控製 動態範圍（Dynamic Range）是區分平庸作品與大師之作的關鍵。我們詳細研究瞭“漸強”（Crescendo）和“漸弱”（Decrescendo）的策略性運用，不僅僅是音量的增減，更包括樂器密度的增減。 關鍵章節：“張力積纍與釋放模型”：如何通過引入不和諧音程、提高音區（Register）、增加樂器復雜性等多種手段，層層遞進地構建音樂張力，並在高潮處以有力的和弦或突然的停頓（Pause）來完成釋放。本書強調，完美的編麯是知道何時“沉默”，何時“爆發”。 結語：超越風格的語言 《樂章背後的秘密：配器與編麯的藝術》旨在培養您的“音樂工程思維”。它不是提供一套固定的公式，而是提供一套可以應用到任何音樂風格的底層邏輯和分析工具。通過本書的學習，您將學會如何聆聽音樂，不僅聽到鏇律，更能“看到”聲音是如何被組織、塑形和賦予生命的。掌握瞭配器與編麯的藝術，您將真正擁有將內心湧動的音樂想法，轉化為完整、震撼聽覺體驗的能力。

评分☆☆☆☆☆

說實話，市麵上很多教創作的書籍都過於偏嚮某種流派，要麼是搖滾，要麼是民謠，讓人感覺實用性不強。但這一本的視野極其開闊，它橫跨瞭多種音樂風格，從古典的對位法到現代電子樂的Loop構建，都有涉獵，展現瞭一種非常全麵的“音樂思維”。我特彆喜歡其中關於“音樂結構解構”的部分，作者並沒有滿足於告訴我們“什麼是AABA結構”，而是深入探討瞭為什麼這種結構有效，以及在不同時代背景下，這種結構是如何被創新性地顛覆的。這種批判性思維的培養，比單純的“套路”傳授要寶貴得多。它鼓勵讀者去模仿，但最終目的是讓你超越模仿，形成自己獨特的印記。我用瞭其中提齣的一個“情緒地圖”分析法來梳理我的一首未完成的歌，結果發現之前自己完全忽略瞭歌麯中段的情感過渡，經過調整後，整首歌的層次感瞬間豐富瞭起來。這本書更像是一位高水平的導師，在你迷茫時指引方嚮，在你得意時鞭策你繼續深入探索。

评分☆☆☆☆☆

這本書簡直是為我這種零基礎的音樂愛好者量身定做的，內容編排得極其有條理，從最基礎的和聲學概念講起，一點都不含糊，讓我這個曾經對樂理一竅不通的人也能逐步建立起自己的音樂知識體係。作者在講解復雜理論時，總是能找到最貼近生活的例子，比如用大傢熟悉的流行歌麯來拆解和弦進行，而不是乾巴巴地拋齣一堆公式。更讓我驚喜的是，書中對鏇律創作的探討深入淺齣，它沒有教你“抄襲”彆人的套路，而是引導你去思考鏇律的內在邏輯和情感錶達方式。讀完前幾章，我感覺自己看音樂的視角都變瞭，不再隻是聽個熱鬧，而是能聽齣鏇律綫是如何起承轉閤，如何巧妙地運用節奏變化來烘托情緒。尤其是一些關於動機發展和主題變奏的章節，簡直是打開瞭我創作的大門，讓我明白瞭如何把一個簡單的靈感片段，擴展成一首結構完整的作品。我拿著這本書反復研究瞭好幾遍，感覺自己對音樂的理解又上瞭一個颱階，非常推薦給所有想要係統學習歌麯創作的朋友們。

评分☆☆☆☆☆

作為一名學習音樂理論多年的學生，我對於那種陳詞濫調的教程已經感到審美疲勞瞭。但《歌麯寫作教程》真正做到瞭“返璞歸真”，它用一種近乎哲學的角度來探討音樂的本質，但所有的討論最終都落到瞭實操層麵。它沒有迴避音樂創作中那些難以言喻的“靈感”問題，而是將其歸結為可學習、可訓練的認知過程。書中對節奏復雜性和律動感營造的章節，特彆吸引我，它將復雜的復閤拍子和切分音的應用，分解成瞭可以被視覺化的圖形，大大降低瞭學習難度。更重要的是，它強調瞭“留白”的重要性，提醒我們音樂不是聲音的堆砌，而是音符之間的空間感。這本書的語言風格非常沉穩而富有啓發性，讀起來讓人感覺像是在進行一場深入的學術交流，但目標卻始終指嚮“創作齣好歌”這個實踐目標。我強烈推薦給那些已經掌握瞭基礎樂理，但感覺自己的作品缺乏靈魂和深度的中高級學習者，它會讓你重新審視你所做的一切。

评分☆☆☆☆☆

我是一位已經摸索瞭好幾年、但始終感覺自己的作品停留在“口水歌”階段的業餘詞麯作者，這本書的齣現，就像一劑猛藥，把我從自我設限的泥潭裏拉瞭齣來。它最棒的地方在於，它敢於直麵歌麯創作中的“瓶頸”問題。比如，它詳細分析瞭為什麼有些歌麯聽起來很“平”，然後給齣瞭切實可行的解決方案——可能是橋段的處理不夠有力，也可能是副歌的記憶點不夠突齣。書中對“敘事性”和“畫麵感”的強調，對我觸動極大，它讓我開始注重歌詞和鏇律如何共同構建一個引人入勝的故事場景，而不是僅僅堆砌押韻的詞句。閱讀過程中，我常常會停下來，拿起自己的Demo，對照書裏的建議進行修改，效果立竿見影。特彆是關於如何為不同情緒設計特定音域和配器風格的討論，精準到位，完全不是那種空泛的理論指導，而是實打實的“技法手冊”。如果你已經有瞭一些基礎，但渴望突破現有的創作舒適區，這本書絕對能幫你找到下一個層次的突破口。

评分☆☆☆☆☆

我購買這本書的初衷是想弄清楚如何寫齣讓人“上頭”的副歌。讀完後，我發現這本書遠不止於此，它提供的是一個完整的“創作生態係統”的視圖。作者對“人聲鏇律寫作”的關注達到瞭令人發指的細緻程度，比如氣口安排、咬字與音高的關係、以及如何利用滑音和裝飾音來增強人聲的辨識度，這些細節在其他教程裏很少被如此詳盡地剖析。書中還穿插瞭許多案例分析，這些分析並非簡單的“這首歌火瞭所以它的和聲是對的”，而是深入到創作人的意圖、當時的音樂趨勢，以及聽眾的心理預期。這讓我明白瞭，好的作品是藝術錶達與市場接受度之間精妙平衡的結果。對於我這個更偏嚮“製作人”思維的創作者來說，書中關於如何在早期Demo階段就鎖定核心 Hook 的技巧，簡直是救星。它教會我如何在腦海中預置完成度的藍圖，而不是走一步看一步，最終導緻結構鬆散。