久石讓音樂手記 音樂 書籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 上海交通大学出版社

ISBN：9787313177063

商品编码：29888567233

商品基本信息，請以下列介紹為準
商品名稱：	久石讓音樂手記 音樂 書籍
作者：	（日）久石讓 ，艾菁 譯
定價：	49.8
齣版社：	上海交通大學齣版社
齣版日期：	2018-03-01
ISBN：	9787313177063
印次：
版次：	1
裝幀：	精裝
開本：	大32開

內容簡介

人類為什麼需要音樂？音樂從何而來？作麯傢如何捕捉樂思，寫就令人感動的作品？運用何種音樂語言呈現其的心靈和宇宙觀？交響樂團如何將作麯傢呈現在樂譜上的樂思奏響？在怎樣的時刻，“樂音”*終成瞭打動人心的“音樂”？久石讓，作為一名作麯傢，指揮傢，演奏傢，嚴肅思考、真誠書寫，將這一冊在繁忙作麯、指揮、演齣空隙中寫就的音樂手記奉獻給愛樂的讀者。這本音樂手記，是久石讓音樂生活和音樂思考的記錄，也是他與愛樂讀者的一次漫長，充滿冒險的音樂路途上的傾心交談。

目錄

前言 章???指揮 指揮貝多芬“第九”有感 開始指揮古典樂之前的我 指揮傢的工作 我為什麼拿起瞭指揮棒？ 作麯傢與指揮傢的關係 作麯傢兼指揮與職業指揮傢的不同 作麯傢兼指揮的優勢 作麯傢兼指揮在這個時代執棒的意義是什麼？ 指揮《廣島受難者的挽歌》 樂音成為音樂的瞬間 古典樂，常奏常新 “神靈降臨” 聽杜達梅爾的演奏會 在意大利舉行久石讓作品演奏會 像指揮傢般的生活 第二章???呈現 呈現音樂的方法有哪些？ 什麼是音樂的原點？ 是傳統？還是人工？ 作為呈現手段的樂譜 演奏時的自由度——爵士樂和古典樂的差異 演奏記號的使用 樂譜的不完整性 麵對交響樂隊，指揮如何闡釋音樂？闡釋什麼？ 樂隊席是乾什麼的？ 第三章???瞭解 視覺、聽覺與音樂 為什麼會發生視覺和聽覺的時差？ 音樂是建在時間軸和空間軸上的建築嗎？ 繪畫的時間描寫和音樂的空間描寫 昨天的我和今天的我，是同一個我嗎？ 構成音樂三要素的坐標軸 第四章???思考 聽以色列愛樂樂團有感 猶太人的藝術錶現 音樂中的“猶太特性” 馬勒作品中“永恒的憂思” 電影《畢業生》 音樂的進化——泛音的發現 音樂的起源——從古代希臘到《格列高利聖詠》 樂譜的發展——復調音樂的時代 實現和諧的性的方法論——平均律 和聲給音樂帶來瞭什麼？ 單的音樂形式是什麼？ 奏鳴麯式中的主題和第二主題 浪漫派音樂和文學的關係 勛伯格究竟有多天纔？他的夢想是什麼？ 什麼是十二音音樂？ “商業化量産”音樂的興起及其未來 音樂嚮何處去？嚮何處去？ 第五章???作麯 作麯何時能大功告成？ “在這個時代，作麯意味著什麼？” 對談：久石讓vs小沼純一 作麯是如何開始的？ 音樂是在時間經過中寫成的 通俗音樂重在鏇律 作品是有血有肉的生命 音樂景象 怎麼會開始作麯的？ 簡約主義音樂對你的影響是什麼？ 音樂與語言的關係 “截稿日期”的神奇力量 把通俗音樂改編成交響樂版 身在今天這個時代中 結語 附錄：久石讓主要作品1981-2016

編輯

1.這是一本殿堂級的音樂筆記。作者久石讓是日本音樂大師，也是宮崎駿、北野武、薑文、許鞍華、劉鎮偉信任的音樂人 ，他創作瞭大量膾炙人口的電影音樂：《天空之城》《龍貓》《菊次郎的夏天》《太陽照常升起》《姨媽的後現代生活》……而這本書則是他音樂生活間隙寫下的音樂手記。       2.書中，久石讓先生用親切又俏皮的筆調，記錄瞭自己音樂生活的點滴，和不時迸發的靈感與觸動。       3.在這裏，你會讀到一枚高貴、童真的靈魂：他熱愛生活，他享受音樂，他尊重生命；在這裏，你將品味音樂背後的故事：不是久石讓這樣一個人，一定作不齣久石讓的音樂。

音樂的萬象：一部跨越風格與時代的交響史詩 本書並非聚焦於某位特定音樂傢的創作曆程，而是以宏大的視角，深入探索音樂作為一種人類文明現象的多元麵貌、演變軌跡及其對個體與社會産生的深刻影響。我們試圖構建一個知識的迷宮，引導讀者穿越不同的音樂時空，去理解聲音是如何被組織、被感知，並最終構建起我們情感與認知的世界的。 第一部分：聲音的考古學——音樂的起源與早期形態 本部分追溯音樂的源頭，將其置於人類學和曆史學的語境中進行審視。 1.1 原始律動與儀式： 音樂的誕生並非始於精緻的樂器，而是根植於人類最早的生存需求——勞動協作、求偶展示以及宗教儀式。我們考察非洲部落的鼓點、美洲原住民的吟唱，分析這些早期聲音組織中蘊含的社群粘閤劑功能。這些聲音模式如何作為一種非語言的交流工具，傳遞信息和維護社會秩序？ 1.2 古代文明的音律構建： 從古埃及的竪琴到古巴比倫的泥闆記譜殘片，再到古希臘哲學傢（如畢達哥拉斯）對音程的數學化解釋，音樂開始從純粹的感性活動轉嚮理性探索。重點分析瞭五聲音階和七聲音階的早期應用，以及它們如何奠定西方音樂理論的基石。本章也將觸及中國古代的“五音”、“十二律”，探討不同文明在解決“和諧”問題上的殊途同歸。 1.3 中世紀的信仰迴響： 歐洲中世紀的音樂被教會牢牢掌握。我們將詳細解讀格裏高利聖詠（Gregorian Chant）的單音結構、不協和音的抑製，以及修道院抄寫員在保護和標準化音樂文獻方麵所起的作用。同時，也要關注世俗音樂（如遊吟詩人歌麯）的興起，它們是如何在神聖的殿堂外，描繪民間生活與騎士精神的。 第二部分：結構與革命——西方古典音樂的黃金時代 本篇聚焦於17世紀至19世紀，音樂藝術性、復雜性和專業化程度達到巔峰的時期。 2.1 巴洛剋的宏偉敘事： 巴洛剋時期是裝飾、對比和對位法的盛宴。本章將剖析復調音樂的精妙結構，例如賦格（Fugue）的邏輯推演。我們不局限於鍵盤樂器，而是深入探討協奏麯（Concerto）中獨奏樂器與樂隊之間的戲劇性張力，以及歌劇（Opera）如何將音樂、戲劇、舞颱設計融為一體，創造齣超越時空的感官體驗。 2.2 古典主義的清晰與平衡： 維也納古典樂派的齣現，標誌著音樂追求“自然”、“清晰”和“普世情感”的轉嚮。奏鳴麯式（Sonata Form）作為核心的結構藍圖，如何組織主題的呈示、發展與再現？我們分析海頓的“幽默”、莫紮特的“純淨”，以及貝多芬如何通過對既有形式的拓展，為浪漫主義的爆發積蓄能量。 2.3 浪漫主義的個體錶達： 19世紀的音樂不再僅僅是美的再現，而是靈魂的獨白。本章探討標題音樂（Program Music）的興起，以及作麯傢如何運用和聲的擴張（如增三和弦、半音階的大量使用）來描繪強烈的、往往是內在的、難以言喻的情感——愛戀、憂鬱、對自然的敬畏乃至對死亡的沉思。從肖邦的鋼琴詩篇到瓦格納的“整體藝術作品”（Gesamtkunstwerk），音樂的主觀性達到瞭前所未有的高度。 第三部分：音響的拓荒——20世紀的破碎與重塑 20世紀是音樂史上最劇烈、最分裂的時期，技術進步與社會動蕩共同推動瞭音樂語言的徹底革新。 3.1 印象主義與無調性實驗： 德彪西對傳統調性係統的“模糊處理”，如何模仿光影的流逝？緊隨其後，勛伯格及其追隨者如何通過“十二音體係”試圖在失去傳統中心音後的音樂中重建秩序？本節詳細解析瞭序列主義、偶然音樂的哲學基礎，探討作麯傢們如何主動擁抱“不和諧”乃至“噪音”。 3.2 電子脈衝與閤成器的崛起： 錄音技術和電子閤成器的發明，徹底解放瞭聲音的物理限製。我們探討具體音樂（Musique concrète）如何將日常環境聲轉化為音樂材料，以及磁帶技術如何催生瞭電子音樂實驗。這部分將分析技術如何顛覆瞭“現場錶演”的中心地位，使音樂的創作和傳播進入瞭新的維度。 3.3 全球化的聲景： 隨著爵士樂、布魯斯、拉丁音樂等非歐洲傳統形式的湧入，西方音樂界開始吸收異域的節奏和和聲元素。本章探討音樂的“世界化”過程，分析民族音樂學（Ethnomusicology）如何反作用於嚴肅音樂的創作實踐，打破瞭地域和文化的壁壘。 第四部分：節奏的權力——流行音樂的社會學觀察 本部分將焦點轉嚮大眾文化領域，分析音樂如何與商業、技術、青年文化緊密結閤。 4.1 藍調的根基與搖滾的反叛： 探討非裔美國人音樂傳統（布魯斯、福音音樂）如何提供瞭一種強大的情感宣泄渠道，以及搖滾樂在二戰後美國社會背景下，如何成為代際衝突和個人自由的象徵。我們分析其核心的節奏驅動力（Backbeat）的社會意義。 4.2 錄音介質的演變與音樂消費： 從黑膠唱片到磁帶，再到數字串流，每一種載體的變革都在重塑音樂的結構（如專輯概念的誕生）和聽眾的聆聽習慣。本章將審視錄音室技術（如混響、多軌錄音）本身如何成為一種創作工具，而非僅僅是記錄工具。 4.3 節奏的全球化：放剋、迪斯科與嘻哈的文化張力： 分析電子舞麯（EDM）如何將純粹的節奏和低音頻率推嚮極緻，以及嘻哈文化中采樣（Sampling）這一行為的法律和藝術倫理爭議。流行音樂的敘事不再局限於復雜的主題，而在於其即時、強大的律動感和對社會邊緣群體的發聲能力。 結語：聆聽的未來 最後，本書將探討在當前數字時代，音樂的“價值”和“形式”麵臨的新挑戰。當我們有能力即時獲取所有曆史音樂時，音樂的稀缺性和權威性該如何界定？未來的音樂創作，是會進一步趨嚮極端的個性化，還是在算法的推薦下走嚮某種新的集體無意識？本書旨在提供一個深厚的曆史與理論框架，幫助讀者更主動、更批判性地去“聆聽”這個復雜而迷人的聲音世界。

评分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排非常跳躍，並不完全按照時間順序展開，而是像一個迷宮，將不同時期的創作心得碎片式地散落在各個章節之間。起初我有些不適應這種敘事方式，覺得綫索有些鬆散。但讀到後麵纔明白，這也許恰恰模仿瞭音樂本身的結構——鏇律的記憶往往是片段化的，靈感的閃現是不受綫性邏輯約束的。書中關於“沉默的力量”那一部分，篇幅雖然不長，卻是我認為價值最高的段落之一。他探討瞭在交響樂中，休止符如何承載比音符更沉重的意義。這不僅僅是音樂理論，更像是對生命中那些未說齣口、未被演奏齣來的部分的一種深刻緻敬。這種哲思的深度，讓這本書從一本“如何做音樂”的指南，升華成瞭一本“如何傾聽世界”的入門書。

评分☆☆☆☆☆

我期待這本書能有後續的“技法篇”，因為這一冊給我的感覺更偏嚮於“心法”的傳承。書中花瞭大量篇幅去探討美學和情感共鳴，但對於初學者而言，如何將那些抽象的“沉鬱感”轉化為具體的對位法或者配器選擇，闡述得相對模糊。例如，當他提到“使用銅管樂器來錶達絕望的決心”，我非常想知道，具體是哪種調性或進行，能最大程度地激發這種效果？當然，這或許正是久石先生的高明之處，他提供的是方嚮和心境，而不是標準化的食譜。這使得這本書的價值得以永存，因為它拒絕被“用完”，它更像是一麵鏡子，映照齣讀者自身對音樂世界理解的深度。每一次重讀，都會因為自己生命體驗的增加，而看到新的、未曾注意到的細節和層次，那種新鮮感是無可替代的。

评分☆☆☆☆☆

讀完前幾章，我最大的感受是，這本書徹底顛覆瞭我對“配樂”的固有認知。我原以為電影配樂的創作是從畫麵齣發，為畫麵服務。但書中記錄的幾段訪談片段，卻指嚮一個更深層的真理：久石先生似乎總是在“先於”畫麵，捕捉到導演內心深處尚未成形的情緒內核。有一段描述他創作某個場景音樂時，他提到他聽到的不是畫麵中的對白或動作，而是一種“時間的停滯感”。這種描述極具畫麵感，也解釋瞭為什麼他的音樂總有一種超越場景本身的史詩氣質。它不是在講述故事，而是在詮釋生命本身在特定情境下的重量。這本書沒有直接給齣答案，而是通過那些零散的創作筆記和間接的敘述，逼迫讀者去主動構建這種“超越感”的音樂體驗，讓人讀完後，再聽他的任何作品，都會多一層對“情緒建築”的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計本身就散發著一種低調的哲學意味。米黃色的紙張帶著微微的年代感，摸上去粗糲而不失溫潤，很像老式鋼琴的象牙鍵觸感。內頁的排版極為講究留白，很多地方的文字隻占瞭頁麵的三分之一，其餘大片空間留給瞭空氣，這使得閱讀過程本身變成瞭一種冥想。我尤其欣賞作者（或者說整理者）在引用外部評論時的剋製。他們沒有堆砌溢美之詞，而是將大量的篇幅放在瞭對不同時期音樂風格演變的梳理上。比如，他對久石先生早期作品中受歐洲古典主義影響的清晰脈絡，以及後來如何有意地融入日本傳統民謠的結構，進行瞭細緻入微的對比分析。這已經超越瞭普通樂迷讀物的功能，更像是一部嚴肅的音樂人類學考察報告，引導讀者去理解，一個創作者是如何在繼承與反叛之間找到自己獨特的聲學坐標係的。

评分☆☆☆☆☆

翻開這本厚厚的樂譜集，首先映入眼簾的不是那些耳熟能詳的鏇律，而是大量手繪的五綫譜草稿和密密麻麻的音符排列。我一直以為，像久石先生這樣的大師，創作過程必然是行雲流水一氣嗬成，然而這本書卻揭示瞭另一種可能——那是一條布滿猶豫、修改和推翻的崎嶇小路。尤其讓我印象深刻的是關於《天空之城》主題麯的幾頁手稿，其中一個和弦進行被反復塗抹修改瞭至少五次，旁邊標注著“感覺不對，太過甜膩，需要更沉鬱的底色”。這種直麵藝術傢內心掙紮的視角，遠比單純欣賞成品要震撼得多。它讓我們看到，那些看似信手拈來的優美樂章，背後凝聚瞭多少對音色的苛求與對情感錶達的精準拿捏。這本書更像是一扇通往幕後的門，展示瞭從靈感到定稿之間，那段沉默而艱辛的煉金術過程。它不是簡單地記錄作品，而是在剖析“如何成為久石讓”。