二十世紀作麯技法分析（修訂版）/“作麯技術理論”叢書 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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姚恒璐 著

圖書標籤:

• 作麯技法
• 音樂理論
• 二十世紀音樂
• 和聲
• 對位
• 音樂分析
• 作麯
• 理論音樂
• 現代音樂
• 音樂史

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805538044

版次：2

商品编码：12156009

包装：平装

丛书名： “作曲技术理论”丛书

开本：16开

出版时间：2017-06-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

內容簡介

　　《二十世紀作麯技法分析（修訂版）/“作麯技術理論”叢書》通過分析一些具有代錶性麯傢的典型作品，學習研究當前世界上已經規範化的分析方法學；通過展示原作的麯譜及分析圖錶，認識不同技法、風格的音樂作品的組織結構。
　　《二十世紀作麯技法分析（修訂版）/“作麯技術理論”叢書》還從作麯技法的演變過程中，選取代錶性作麯傢的一些典型的小、中型作品作為譜例。
　　對於《二十世紀作麯技法分析（修訂版）/“作麯技術理論”叢書》的寫作宗旨，筆者還有以下一些構想。
　　首先，20世紀音樂分析是對本世紀所産生的某些具體音樂分析的學習。上述分析方法本身産生於20世紀，學習的初階段需要追溯到一些古典、浪漫主義時期的作品，以便於學習者理解某些現代音樂作品同傳統音樂作品的繼承關係。
　　其次，20世紀音樂分析的主要研究對象是本世紀的近現代音樂作品，通過學習和分析實踐，學習乾應當在理論上理解上述音樂分析方法的基本原則，在實踐中會“對癥下”，根據不同類型的作品，選擇不同的分析方法。對此，每一章中的實例分析都帶有對某類分析手法的實證意義。
　　《二十世紀作麯技法分析（修訂版）/“作麯技術理論”叢書》在著述中想錶達的另一層含義是，在分析方法上不拘泥於某一固定的分析形態，主張跨風格、跨技法的多重思維，拉近分析途徑與音樂創作實踐之間的關係。

作者簡介

　　姚恒璐，博士，中央音樂學院作麯係教授、博士生導師。曾獲英國利茲大學作麯專業音樂碩士學位（Mmus）和哲學博士學位（PhD）。發錶各類音樂學術論文70餘篇。主要作品：交響麯《升華》（七樂章）；管弦樂《虹》等；室內樂：《第二弦樂四重奏》、六重奏《山麯》、銅管五重奏《音畫三幅》等；民樂五重奏《五福連珠》、《一枝花》為彈撥樂隊而作；閤唱與藝術歌麯數十首。主要著作：①《20世紀作麯技法分析》（上海音樂齣版社2000年版）；②《現代音樂分析方法教程》（湖南文藝齣版社2003年版）；③《魯托斯拉夫斯基的偶然音樂作麯技法研究》（香港華文齣版社2005年版）；④主編《音樂必聽麯目欣賞指導》（9冊，山西教育齣版社2003年版）；⑤主編《音樂技法的綜閤分析》——普通高校作麯技術理論綜閤課程（高等教育齣版社2009年版）；⑥《實用音樂英文選讀》（湖南文藝齣版社2010年7月版）。此外，齣版個人音樂作品的CD：1。《升華》——姚恒璐音樂作品典藏（北京環球音像齣版社2009年版）；2。《原始的音跡》——姚恒璐鋼琴作品選（人民音樂齣版社2010年版）。

目錄

序言一
序言二
前言

第一章 主題一動機的材料分析
第一節 拉多夫·萊蒂對貝多芬【悲愴奏鳴麯】所作的主題一動機分析
第二節 分析德彪西的鋼琴麯《被淹沒的教堂》
第三節 勛伯格關於主題一動機的作麯技法和分析理論
第四節 實例分析
一、貝多芬《第28首鋼琴奏鳴麯》中的“主題一動機”貫穿手法
二、對斯剋裏亞賓的四首鋼琴小品之三《色調的微差》的分析

第二章 申剋式圖錶的分析
第一節 鏇律的縮減與音級的概念
第二節 完整部分中的基本結構
第三節 和聲關係
第四節 聲部進行一對位與數字低音
第五節 結構的延伸
第六節 對巴赫《C大調前奏麯》的比較分析
第七節 薩爾則的後申剋式分析
一、申剋本人分析的意義及其局限性
二、凱茲對申剋式分析的評論要點
三、薩爾則分析理論的意義和例示
第八節 實例分析
一、對斯剋裏亞賓的四首鋼琴小品之三《色調的微差》的分析
二、肖邦的《前奏麯》
三、約翰·麥剋凱布的《三首鋼琴即興麯》之一
四、巴托剋《八首鋼琴即興麯》之一
五、亨德米特《調性遊戲》中的《前奏麯》和《後奏麯》
六、R·哈裏斯鋼琴小組麯之二《可悲的消息》、之四《入睡》

第三章 非調性的十二音序列分析與音級集閤分析
第一節 十二音序列分析
一、十二音序列分析的基本理論與概念
二、十二音原型序列的設計
三、對十二音序列作品的實例分析
第二節 十二音音級集閤的分析
一、阿倫·福特的《音級集閤的原型與函量錶》
二、P．c集閤的簡便計算
三、實例分析

第四章 非調性音樂中的潛調性和實例分析
第一節 分析剋熱涅剋《十二首鋼琴小品》
第二節 威伯恩的《五首管弦樂小品》
第三節 威伯恩的《五首歌麯》之一

第五章 種種音樂結構力的探尋及實例分析
第一節 分析伯特威塞爾的室內樂小品《我自己的歌》
第二節 分析彼得·馬剋斯威爾·戴維斯的《維塞利的聖像》之七《基督接受十字架》
第三節 分析卡特的《練習麯》
第四節 分析喬治·剋拉姆的歌麯《四個月亮之夜》之一
附錄一 音樂分析學參考書目
附錄二 專業術語英漢對照

精彩書摘

　　《二十世紀作麯技法分析（修訂版）/“作麯技術理論”叢書》：
　　特彆指齣的是，當所議論的材料是由無調性縮影所提供時，有兩種性質明顯不同的動機分析類型：①是基本上通過實際的音高、音程、時值和音樂中所呈現齣的特徵錶現齣來的；②將音高和音程減為音級，這也是音級集閤分析的最初階段，接著用相似性的關係和復閤集閤的手段去探索所列舉的種種和聲上有意義的現象，分析者會決定一個“抽象的動機”或基本的外形去追溯變奏、變形的過程，這種方法不必在紙麵上計算作品中的每一音高。此外，第一類動機分析可能導緻幾種不同的方嚮，取決於具體音樂的性質。在一係列被修改的重復或變奏的手段中，動機分析可能會解釋作品中全部的或主要的相互關係；或者，在展開過程的變形中，分析更多地強調音樂的派生關係。動機可能被理解為縱嚮或橫嚮的音樂陳述，或兩者兼而有之。在勛伯格本人的作品中，可以發現主題一動機的理論在其創作實踐中所起到的指導性的結構作用，如同他在談到十二音音樂的聯係時所說的：“與動機的音符打交道。”
　　……

好的，為您撰寫一份不包含《二十世紀作麯技法分析（修訂版）/“作麯技術理論”叢書》內容的圖書簡介，字數在1500字左右，力求內容詳實，風格自然流暢。 --- 《西方音樂史與美學導論：從巴洛剋到新古典主義》 本書簡介 本書是一部係統梳理西方音樂自巴洛剋時期至二十世紀初演變脈絡的綜閤性著作。它不僅聚焦於音樂風格的重大轉摺與標誌性人物，更深入探討瞭特定曆史背景、哲學思潮與美學觀念如何塑造瞭不同時代的音樂語言。本書旨在為音樂專業學生、研究人員以及對西方古典音樂有濃厚興趣的愛好者提供一個清晰、深刻且富有啓發性的導覽。 第一部分：巴洛剋輝煌與理性之光（約1600-1750年） 本部分聚焦於巴洛剋時期，一個在結構嚴謹性、情感強度與裝飾藝術方麵達到高峰的時代。我們首先迴顧瞭早期歌劇的誕生與發展，探討瞭濛特威爾第等先驅如何將戲劇性與音樂完美結閤，奠定瞭歌劇這一綜閤藝術的基礎。 核心議題：風格的建立與技術革新 通奏低音的統治地位： 詳細解析瞭通奏低音（Basso Continuo）作為巴洛剋音樂“骨架”的功能與實現方式，闡述瞭其在和聲織體構建中的核心作用，以及對即興演奏的要求。 對位法的精妙運用： 重點分析瞭巴赫的作品，特彆是《賦格的藝術》和《平均律鋼琴麯集》。我們不僅僅是羅列技巧，而是探究巴赫如何將嚴格的對位法與深刻的人文精神融為一體，使復調音樂達到新的高峰。對卡農、賦格、間奏麯等麯式的結構邏輯進行瞭細緻的剖析。 協奏麯體裁的成熟： 梳理瞭維瓦爾第與巴赫時代協奏麯的發展，分析瞭快-慢-快的三樂章結構如何確立，以及獨奏樂器與樂隊之間“對抗與閤作”的張力是如何被精心編排的。 清唱劇與神劇的宗教錶達： 考察瞭亨德爾的清唱劇，例如《彌賽亞》，探討瞭其宏大的閤唱場麵如何服務於宗教敘事，以及詠嘆調中“裝飾音”的審美價值。 美學視角： 巴洛剋音樂的美學核心在於“情感的描繪”（Doctrine of the Affections）。本書探討瞭這一理論如何指導作麯傢使用特定的音樂材料（如節奏型、音型）來精準地喚起聽眾的特定情緒狀態。 第二部分：古典主義的平衡與清晰（約1750-1820年） 隨著啓濛運動的興起，音樂審美轉嚮追求清晰、自然、平衡與和諧。古典主義時期確立瞭至今仍是西方音樂核心的麯式結構。 核心議題：形式的規範化與交響樂的誕生 奏鳴麯式分析： 深入解析瞭奏鳴麯式的“呈示部-發展部-再現部”的內在驅動力。通過對海頓、莫紮特及早期貝多芬作品的實例分析，揭示瞭主題的對比、衝突與解決是如何通過結構組織實現的。這部分內容將結構分析置於“戲劇性”的語境下進行討論。 交響麯與室內樂的典範： 詳細研究瞭維也納古典樂派三巨頭對交響麯體裁的貢獻。海頓的“幽默感”與形式的實驗性、莫紮特的鏇律天賦與歌唱性、以及貝多芬如何通過增強對位衝突和擴大規模來拓寬古典主義的邊界。 協奏麯的演變： 比較瞭巴洛剋協奏麯與古典協奏麯在獨奏者與樂隊關係上的轉變，重點關注瞭華彩樂段（Cadenza）的功能性變化。 鍵盤音樂的革新： 探討瞭鋼琴取代羽管鍵琴的曆史意義，以及海頓、莫紮特鋼琴奏鳴麯中體現齣的清晰織體和清晰的樂句劃分。 美學視角： 古典主義音樂追求“自然”與“普世性”。本書將探討康德哲學對清晰結構與普遍情感錶達的影響，以及音樂如何服務於貴族與新興資産階級的審美需求。 第三部分：浪漫主義的激情與個體錶達（約1820-1910年） 浪漫主義是音樂史上一次巨大的情感釋放與個性張揚的運動。作麯傢將個人體驗、文學敘事和對超驗世界的嚮往置於首位。 核心議題：情感的無限延伸與織體的擴張 主導動機與象徵性： 分析瞭舒伯特、舒曼的藝術歌麯（Lied）中，鋼琴伴奏如何超越簡單的和聲支持，成為敘事和心理刻畫的獨立角色。探討瞭“主導動機”如何在後來的瓦格納歌劇中成為連接敘事與音樂結構的重要工具。 和聲的自由化： 這是本書的重點之一。研究瞭肖邦、李斯特以及後浪漫主義作麯傢如何係統性地拓展傳統功能和聲的邊界。探討瞭半音化進行、遠關係轉調、以及“色彩和弦”（如增三和弦、九和弦）在營造特定情緒氛圍中的作用。 麯式的解構與自由化： 考察瞭“自由幻想麯”體裁的興起，以及交響詩這一新興體裁如何通過標題和文學情節來主導音樂結構，打破瞭傳統奏鳴麯式的約束。 國傢主義與民族樂派： 討論瞭德彪西、穆索爾斯基、德沃夏剋等人如何從民間音樂、傳說和本國語言的韻律中汲取靈感，豐富瞭歐洲音樂的語匯。 美學視角： 浪漫主義推崇“崇高感”（Sublime）和“無限性”。本書將分析音樂如何試圖超越語言和具象思維，直抵靈魂深處，以及對“異國情調”的迷戀如何體現在配器和和聲選擇上。 第四部分：通往現代的橋梁——印象主義與後浪漫主義（約1890-1918年） 本部分關注的是從既有傳統中瓦解齣來的關鍵過渡階段，為二十世紀音樂的復雜性做鋪墊。 核心議題：感官體驗與傳統的瓦解 印象主義的聲響色彩： 重點分析瞭德彪西的音樂語言。探討瞭全音階、五聲音階、八度音程的非功能性使用，以及和聲如何從推進功能的角色轉變為營造瞬間“色彩”和“光影”的手段。 配器的革新： 考察瞭拉威爾等作麯傢對管弦樂隊的精妙控製，以及他們如何通過木管樂器、打擊樂器和弱奏技巧來創造精緻、細膩的聽覺效果。 遲滯的浪漫主義與早期錶現主義： 簡要對比瞭馬勒宏大的交響詩結構（作為晚期浪漫主義的巔峰）與勛伯格早期作品中對和聲緊張感的極端推嚮，後者預示著調性的終結。 總結與展望： 本書最後總結瞭從巴洛剋對位邏輯到浪漫主義個體情感爆發，再到印象主義對感官世界的捕捉，為理解二十世紀音樂的諸多流派奠定瞭堅實的曆史和美學基礎。 --- 本書特點： 1. 跨學科視野： 將音樂分析與當時的哲學、文學思潮緊密結閤。 2. 實例驅動： 選取每個時期最具代錶性的作品進行深入淺齣的分析，而非空泛的理論堆砌。 3. 清晰的脈絡： 邏輯嚴謹，幫助讀者在不同風格間建立清晰的過渡和聯係。 本書是深入理解西方音樂文化史的理想讀本。

评分☆☆☆☆☆

說實話，我起初是抱著懷疑的態度拿起這本書的，因為市麵上很多所謂的“二十世紀作麯技法”書籍，要麼過於學院派，充斥著晦澀的數學公式和隻有行傢纔懂的術語，要麼就是過於淺薄，流於錶麵地介紹幾個“主義”的名字。然而，這本書完全打破瞭我的刻闆印象。它的敘述語言既保持瞭學術的精準性，又充滿瞭對音樂本身的深情和敬意。我最喜歡的是它如何將“分析”與“創作意圖”相結閤。作者總是在分析一個技術點時，立刻迴到作麯傢為什麼要使用這個技術——它服務於什麼情感錶達或結構目的？這種人文關懷讓冰冷的技法分析變得有血有肉。例如，在討論亨澤爾的序列寫作時，作者細緻地對比瞭他如何巧妙地在嚴格的結構內保持鏇律的歌唱性，這遠比單純的音高矩陣分析要深刻得多。對於希望將理論應用於實踐的作麯學生而言，這本書無疑提供瞭一個絕佳的範本，它告訴你，偉大的技術必須服務於偉大的藝術構想。

评分☆☆☆☆☆

這本書的份量感是毋庸置疑的，拿到手裏就知道它絕非等閑之作。但真正讓我感到震撼的，是作者在處理20世紀後半葉多元化趨勢時的那種宏大視野和平衡感。它沒有偏袒任何一傢獨大，而是公平地探討瞭後序列主義、偶然性、聲場音樂乃至新浪漫主義的迴潮。我特彆注意到作者對非西方音樂元素如何潛移默化地影響西方作麯技法的討論，這顯示瞭作者廣闊的學術胸襟和對全球化音樂語境的敏銳洞察。相比於那些隻關注維也納學派的傳統教材，這本書真正做到瞭“二十世紀”的全景展示。對於那些希望建立起一套自己的、能夠涵蓋不同風格體係的分析框架的音樂研究者來說，這本書提供的理論工具箱是極其豐富的。它不僅告訴你“是什麼”，更告訴你“為什麼是這樣”，並提供瞭應對未來音樂挑戰的理論準備。讀完後，我感覺自己站在瞭一個新的製高點上，對音樂曆史的演進脈絡有瞭更清晰、更全麵的把握。

评分☆☆☆☆☆

我得說，這本書的修訂版在資料的廣度和深度上都遠超我預期的水平。作為一個已經接觸過不少音樂分析書籍的老讀者，我尤其欣賞作者在處理斯特拉文斯基晚期作品時的那種“百科全書式”的嚴謹。書中對於復調寫作、對位法在二十世紀語境下的演變，有著令人拍案叫絕的論述。它沒有迴避那些令人望而生畏的復雜技巧，比如非功能性和聲或復雜節奏型，反而用一種近乎工匠般的態度，將這些技巧層層剝開，展示其內在的構建邏輯。舉個例子，書中對序列技術在不同作麯傢手中的“個性化”處理的比較，簡直是神來之筆——同樣是十二音，為何勛伯格、韋伯恩和布列茲的處理會産生天壤之彆？作者的解答讓人茅塞頓開，這背後蘊含的不僅僅是技術差異，更是哲學層麵的取捨。而且，修訂版似乎補充瞭更多關於電子音樂和偶然音樂對傳統作麯技法衝擊的內容，這使得全書的覆蓋麵更加完整，體現瞭作者與時俱進的學術視野。這本書的價值，在於它教會你如何“看懂”那些看似雜亂無章的現代音響。

评分☆☆☆☆☆

這本關於二十世紀音樂的著作，簡直是音樂學愛好者和作麯專業學生的福音！我花瞭整整一個下午沉浸其中，那種感覺就像是跟隨一位經驗豐富的嚮導，穿越瞭現代音樂的迷宮。首先吸引我的是作者對德彪西和拉威爾的梳理，他沒有僅僅停留在印象派的錶麵，而是深入剖析瞭他們如何巧妙地運用和聲色彩和織體變化，為後來的音樂傢們打開瞭新的大門。特彆是關於音高組織結構的那幾章，作者的分析極其細膩，將復雜的十二音體係和序列音樂的邏輯以一種非常直觀的方式呈現齣來，即便是初次接觸這些概念的讀者，也能領會其精髓。再者，書中對不同流派，比如野獸派、錶現主義和新古典主義的對比分析，更是精彩絕倫。作者總能精準地指齣每種風格的核心特徵，並輔以大量的樂例進行佐證，使得枯燥的理論分析變得生動起來。讀完之後，我對如何欣賞肖斯塔科維奇和巴托剋的作品都有瞭全新的認識，感覺自己對“現代性”的理解上瞭一個颱階。這不僅僅是一本教材，更像是一部深入淺齣的音樂史詩。

评分☆☆☆☆☆

這份閱讀體驗，怎麼說呢，更像是在進行一次精密的科學實驗，隻不過實驗對象是人類創造力的邊界。這本書的編排邏輯簡直是教科書級彆的典範，章節之間的遞進關係清晰而自然，仿佛每一個技術點的引入都是為瞭更好地理解下一個更復雜的概念。我特彆欣賞它在介紹到極簡主義和過程音樂時所采取的獨特視角。它沒有將這些流派視為對傳統技法的“背叛”，而是將其視為對時間感知和聽覺體驗的一次深刻哲學探索。書中對於重復、微小變化以及時間跨度的分析，讓我對“節奏”和“動機”的理解從二維平麵提升到瞭三維空間。作者引用瞭大量的圖錶和模型來闡釋這些結構，這些可視化工具非常有效，幫助我理清瞭諸如萊剋蒂或菲利普·格拉斯音樂中那種令人暈眩的復雜結構。總而言之，這是一本需要反復研讀的書，每一次重讀都會發現新的層次和細節，它迫使你以一種全新的方式去聆聽音樂。