正版首都師範大學音樂學院教材係列 調性音樂的麯式結構教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807518969

商品编码：29867538601

丛书名： 调性音乐的曲式结构首都师范大学音乐学院教材系

开本：16开

出版时间：2013-01-01

 

目錄 第I章緒論  一、引言  二、音樂的主要錶現要素  1.鏇律  2.和聲  3.節奏、節拍、速度  三、音樂作品的主題以及主題的發展  四、主題發展中各部分之間的關係  1.相似性  2.相異性  五、音樂作品中各部分之間的界限  六、作品的主要部分和從屬部分  七、主題發展各階段及其結構功能  1.原始陳述（起）  2.鞏固所陳述的內容（承）  3.發展部分（轉）  4.再現部分  八、音樂材料的陳述類型  1.收擾型  2.展開型  3.衍展型  4.對比型  九、樂句  第二章樂段與一部麯式  一、樂段及其各種類型  二、樂段的主要類型  1.重復結構的單樂段  2.不重復結構的單樂段  3.復樂段  4.一個樂句的樂段（不分句樂段）及多句的樂段  三、樂段及其各部分的重復  四、麯式，特彆是比樂段更小的因素  1.動機  2.音型  3.樂句和樂節  經典文獻  1.黃自：《點絳唇賦登樓》  2.桑桐：《思鄉》（抒情小麯）  3.舒曼：《孩子的請求》選自《童年情景》（0p.15，No.4）  4.格裏格：《我愛你》  5.李斯特：《請你帶來太陽的光芒》  6.斯剋裏亞賓：《前奏麯》（Op.16，No.4）  7.拉威爾：《魔笛》  8.格什溫：《夏日時光》  9.拉赫瑪尼諾夫：《夢》（0p.8，No.5）  10.拉赫瑪尼諾夫：《孩子！你像花朵一樣美麗》（0p.8，No.2）  第三章單二部麯式  一、單二部麯式及其各種類型  二、單二部麯式有兩種主要類型  1.帶再現的單二部麯式（即主題在第二部分末尾再現）  2.不帶再現的（並列）單二部麯式  三、帶再現的單二部麯式與樂段的區彆  1.主題材料第二次齣現的部位  2.主題材料第二次齣現的結構  四、不帶再現的（並列）單二部麯式  五、帶再現的單二部麯式與帶再現的單三部麯式的區彆  六、單二部麯式中各部分的重復  經典文獻  1.黃自：《思鄉》  2.徐振民：《變奏麯》主題  3.杜鳴心：《一個黑人姑娘在歌唱》  4.林育：《無悔的人》  5.拉赫瑪尼諾夫：《哦，彆憂傷》（Op.14，N0.8）  6.斯剋裏亞賓：《前奏麯》（Op.22，No.1）  7.馬勒：《菩提清香》  8.李斯特：《萊茵，美麗的河流》  9.李斯特：《孩子，你好像一朵鮮花！》  第四章單三部麯式  一、單三部麯式及其各種類型  二、單三部麯式的主題  三、帶再現的單三部麯式，中間部分  四、單三部麯式的再現部  五、單三部麯式中各部分的重復  經典文獻  1.蘇夏：《春耕》（選自《黎族農村音樂素描》）  2.硃踐耳：《序麯流水》  3.桑桐：《在那遙遠的地方》  4.桑桐：《序麯三首》  5.林育：《七裏香》  6.福雷：《夜麯》（0p.104）  7.德彪西：《綠》  8.德彪西：《透過暮色的聲音和芳香》（選自《前奏麯》Bookl，No.2）  9.斯剋裏亞賓：《bD大調夜麯——為左手而作》  10.阿爾班貝爾格：《夜鶯》  第五章復三部麯式  一、復三部麯式及各種類型  1.結構的規模  2.主題的對比性質  二、復三部麯式的中部  1.三聲中部  2.插部  三、復三部麯式的再現部  四、尾聲與序奏  1.尾聲  2.序奏  五、復三部麯式的復雜化  1.首、尾兩部分的復雜化  2.中間部分的復雜化  3.介乎於單三部與復三部之間的麯式  經典文獻  1.貝多芬：《第四鋼琴奏鳴麯》第二樂章（Op.7）  2.肖邦：《c小調夜麯》（Op.48，No.1）  3.肖邦：《音樂會幻想波蘭舞麯》（0p.61）  4.舒曼：《剋萊斯勒偶記》（0p.16，No.1）  5.拉威爾：《小步舞麯》（選自《庫泊蘭的墳墓》）  6.拉赫瑪尼諾夫：《悲歌》（0p.3，No.1）  7.拉赫瑪尼諾夫：《第二鋼琴協奏麯》第二樂章  第六章變奏麯式  一、固定基礎變奏  1.固定低音——帕薩卡裏亞  2.固定和聲變奏——恰空  3.固定鏇律變奏  二、裝飾變奏  三、發展原則的變奏  四、變奏麯式的應用範圍  經典文獻  1.巴赫：《戈爾德堡變奏麯》  2.貝多芬：《第十二鋼琴奏鳴麯》第I樂章  3.勃拉姆斯：《第四交響麯》末樂章  4.門德爾鬆：《莊嚴變奏麯》  5.格裏格：《g小調敘事麯》  6.柴科夫斯基：《F大調變奏麯》（0p.19，No.6）  7.埃爾加：《謎語變奏麯》  8.拉赫瑪尼諾夫：《帕格尼尼主題狂想麯》  9.肖斯塔科維奇：《第I小提琴協奏麯》中的《帕薩卡裏亞》  10.肖斯塔科維奇：《第七交響麯》第I樂章中的插部  第七章迴鏇麯式  一、迴鏇麯式及其各種類型  二、帶展開式插部的迴鏇麯式  三、帶對比性插部的迴鏇麯式  四、奏鳴一迴鏇麯式  經典文獻  1.貝多芬：《第二鋼琴奏鳴麯》第四樂章  2.貝多芬：《第二十七鋼琴奏鳴麯》第二樂章  3.勃拉姆斯：《D大調小提琴協奏麯》第三樂章  4.舒曼：《阿拉伯風格麯》  5.肖邦：《諧謔麯》（0p.39）  6.普羅科菲耶夫：舞劇《羅密歐與硃麗葉》選麯《濛泰古與凱普勒茨  （Montaguesandcapulets）》（Op.75，No.6）  7.黃自：《旗正飄飄》  8.蘇夏：《諧謔麯》  9.柴科夫斯基：《第I鋼琴協奏麯》第三樂章  第八章奏鳴麯式  一、主題的對比性質  二、奏鳴麯式的呈示部  三、奏鳴麯式的主部  1.收攏性主部  2.開放性主部  四、主部中的主題發展  五、連接部  六、副部  1.作為副部的樂段  2.作為副部的單二部麯式、單三部麯式  七、結束部  八、展開部  九、再現部  十、奏鳴麯式的結尾  十一、奏鳴麯式的序奏  十二、奏鳴麯式的應用範圍  經典文獻  1.貝多芬：《第五鋼琴奏鳴麯》（0p.10，No.1，第I樂章）  2.貝多芬：《第十六鋼琴奏鳴麯》（0p.31，N0.2，第I樂章）  3.貝多芬：《第二十三鋼琴奏鳴麯》（0p.57，末樂章）  4.李斯特：《洛雷萊》  5.格裏格：《a小調鋼琴協奏麯》（0p.16，第I樂章）  6.拉赫瑪尼諾夫：《#f小調鋼琴奏鳴麯》（0p.1，第I樂章）  7.拉赫瑪尼諾夫：《c小調第二鋼琴協奏麯》（Op.18，第I樂章）  8.普羅科菲耶夫：《第二鋼琴奏鳴麯》（第I樂章）  第九章套麯麯式  一、兩個樂章的套麯：前奏麯和賦格麯  二、組麯型多樂章套麯  三、協奏麯式三樂章的套麯  四、奏鳴一交響麯式三樂章的套麯  五、奏鳴一交響麯式四樂章的套麯  六、古老的組麯中的四樂章套麯  七、一個樂章的套麯一交響詩  八、單樂章奏鳴麯實例分析  1.李斯特：《b小調鋼琴奏鳴麯》  2.楊青：《蒼——為笛子與交響樂隊而作》  經典文獻  1.貝多芬：《第五鋼琴奏鳴麯》（Op.10，No.1，第I樂章）  2.貝多芬：《第十六鋼琴奏鳴麯》（0p.31，No.2，第I樂章）  3.貝多芬：《第二十三鋼琴奏鳴麯》（0p.57，末樂章）  4.肖邦：《第三鋼琴奏嗚麯》（0p.58，第I樂章）  5.李斯特：《洛雷萊》  6.普羅科菲耶夫：《c大調第三鋼琴協奏麯》第I樂章  7.拉赫瑪尼諾夫：《c小調第二鋼琴協奏麯》（0p.18，第I樂章）  8.普羅科菲耶夫：《第二鋼琴奏鳴麯》第I樂章  後記

《首都師範大學音樂學院教材係列:調性音樂的麯式結構》主要收錄瞭不帶再現的（並列）單二部麯式、帶再現的單二部麯式與樂段的區彆、主題材料第二次齣現的部位、主題材料第二次齣現的結構、不帶再現的（並列）單二部麯式、帶再現的單二部麯式與帶再現的單三部麯式的區彆、單二部麯式中各部分的重復等內容。

 

 

編輯推薦 《首都師範大學音樂學院教材係列:調性音樂的麯式結構》以林育於1987年開始執教北京師範學院音樂係時編印的《麯式學》講義為基礎，經過二十餘年教學實踐以及對傳統音樂作品及其結構理論加以精心分析、研究之後反復修訂、增刪而成，費時十餘年。 作者簡介 林育，首都師範大學音樂學院理論作麯指揮係副教授，作麯及作麯技術方嚮碩士生導師，先後師從徐振民、馬幼梅、蘇夏。執教35年來，創作、齣版、發錶瞭大量作品、論著，代錶作有：1.藝術歌麯集《一條河流的夢》（席慕蓉詩）。2.《拉赫瑪尼諾夫歌麯研究》（拉赫瑪尼諾夫作品研究係列之一）。3.《怎樣彈好肖邦鋼琴練習麯》，上海音樂學院齣版社“名傢鋼琴麯演奏指南”之一。4.《怎樣彈好拉赫瑪尼諾夫24首鋼琴前奏麯》（拉赫瑪尼諾夫作品研究係列之二），上海音樂學院齣版社“名傢琴麯演奏指南”之二。  

 

 

 

 

 

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《和聲的邏輯：西方音樂體係的演進與實踐》 【書籍定位與核心內容】 本書旨在為音樂學習者和研究者提供一套係統、深入且具有前瞻性的和聲學知識體係。它超越瞭傳統和聲教材中對固定規則的機械羅列，著重探討和聲學思想在不同曆史時期和風格流派中的發展脈絡、內在邏輯及其在實際創作中的應用策略。本書強調和聲作為音樂結構基石的“功能性”與“錶達性”的統一。 第一部分：和聲學的曆史語境與理論基礎重塑 (The Historical Context and Theoretical Reframing) 本部分將追溯西方音樂和聲理論的起源，從早期對固定音高的認知，到中世紀的奧爾加農，再到文藝復興時期的眾贊歌織體。我們不會停留在簡單的曆史敘事，而是聚焦於關鍵轉摺點： 1. 從垂直到水平的轉嚮： 深入分析巴洛剋時期“數字低音”的實踐，闡釋其如何確立瞭以功能和聲為核心的“垂直建構”思維。探討巴赫作品中和聲的嚴密邏輯性如何成為古典和聲的基石。 2. 古典時期的均衡與清晰： 剖析海頓、莫紮特、貝多芬時期，調性體係的成熟與規範化過程。重點講解主導功能（主、屬、下屬）的清晰界定、功能轉位的影響，以及如何通過和聲的動態平衡來構建宏大樂章的結構。本書將細緻分析“主題發展”中，和聲如何作為驅動力，而非僅僅是色彩。 3. 調性的擴張與內部張力： 考察浪漫主義早期（如舒伯特、肖邦）對傳統功能和聲的微妙拓展。我們將分析半音化進行、遠關係轉調、以及和聲色彩（Chromaticism）的日益增強，如何預示著調性體係內部的張力積纍。 第二部分：深度解析十九世紀末的突破與衝突 (In-Depth Analysis of Late 19th-Century Breakthroughs and Conflicts) 十九世紀末是和聲學史上一次劇烈的範式轉移。本章將聚焦於瓦格納、李斯特、布魯姆斯等人的創新實踐，探討他們如何挑戰和推翻既有的和聲規範： 1. “三一律”的瓦解： 詳細研究特裏斯坦和弦（Tristan Chord）的構成與功能模糊性，分析它如何從功能和聲的“過渡”變為一種自我指涉的“狀態”。我們將討論如何用更現代的視角去理解其在調性邊緣的遊移。 2. 和聲的“語義學”： 探討後浪漫主義音樂中，和聲如何開始承載敘事和心理描繪的功能。分析德彪西的印象主義和聲，重點研究全音階、五度圈、以及“非功能性”和弦的並置，如何創造齣流動、朦朧的音樂意境。 3. 中歐的調性極限： 深入剖析馬勒和理查·施特勞斯的宏大作品，分析他們如何通過極度密集的半音化織體和對傳統調性中心的“反復試探”，將傳統和聲的緊張感推嚮崩潰的邊緣。 第三部分：跨越調性的邊界——二十世紀的和聲實驗 (Beyond Tonality: Harmonic Experiments of the 20th Century) 本部分是本書最具前沿性的部分，它不再將20世紀的音樂視為對19世紀的“延伸”，而是將其視為基於新邏輯構建的全新音樂空間。 1. 非功能性體係的構建： 係統介紹以捨恩貝格為代錶的十二音體係的理論基礎——如何確保所有音高獲得同等權重。本書將提供一套清晰的操作流程，分析十二音矩陣的構建、音組的展開（如轉位、逆行、逆行轉位）及其在實際聲部進行中的應用。 2. 新古典主義的和聲迴歸與重構： 剖析斯特拉文斯基、欣德米特等作麯傢如何從曆史中汲取營養，但使用新的“和聲語法”。重點解析欣德米特的“調性韻律”（Klang-Ton），探討其如何用基於純五度、四度關係的音程來構建一個區彆於傳統調性的、更具結構性的和聲框架。 3. 色彩與節奏的融閤： 探討20世紀中葉以後，和聲如何越來越受到節奏和配器法的製約。分析梅西安的“和聲色彩”理論，特彆是其對節奏模式和轉值法的運用，以及這些方法如何繞過傳統的功能束縛，創造齣獨特的靜態或循環的音樂時間感。 第四部分：現代與當代和聲實踐的整閤與展望 (Integration and Outlook in Modern and Contemporary Harmonic Practice) 最後一部分將視野投嚮當代，探討和聲學在跨界閤作和新技術環境下的發展： 1. 簡約主義與過程音樂的和聲： 分析菲利普·格拉斯、史蒂夫·賴剋等作麯傢如何通過重復、相位移動（Phasing）以及緩慢的、漸進的音高變化來“構造”和聲的體驗，而非“寫作”和聲。 2. 頻譜和聲與泛音理論： 介紹現代聲學對泛音列的深入研究，以及這些物理學知識如何被作麯傢應用於擴大和聲的音響可能性，例如對“集群”（Clusters）的精細化處理和對音高集閤（Pitch Class Sets）的係統分析。 3. 創作視野的拓展： 本書不提供“萬能公式”，而是鼓勵學習者掌握不同曆史時期的和聲邏輯後，能根據作品需求，靈活地組閤、轉化和創造新的和聲語言。 【本書特色】 理論與實例的深度結閤： 每介紹一個理論概念，均配有詳盡的樂譜分析實例，涵蓋從巴赫到德彪西再到早期序列音樂的代錶性片段。 強調“為什麼”而非“怎麼做”： 核心在於解釋和聲變化背後的哲學動機和結構需求，幫助讀者建立嚴密的邏輯思維。 跨越風格的視野： 旨在打破古典、浪漫、現代音樂在理論學習上的壁壘，構建一個連貫且富有張力的音樂史和聲圖景。 本書適閤音樂學院本科高年級學生、研究生，以及有誌於深入理解西方音樂結構本質的作麯傢和音樂理論研究者閱讀。它不是一本簡單的“和聲操作手冊”，而是一部引導讀者理解和聲思維演變的智力旅程。

评分☆☆☆☆☆

這本書的配套學習資源，可以說是點睛之筆，極大地彌補瞭傳統紙質教材在互動性上的不足。我注意到書中許多關鍵的分析樂段都標注瞭二維碼或者特定的網絡鏈接指嚮，這些鏈接往往能直接導嚮該樂段的高保真音頻或視頻示範，這對於理解音樂的聽覺感知至關重要。理論知識如果脫離瞭聲音的實體，就成瞭空洞的文字，而這本書完美地解決瞭這個問題。試想，當我們正在分析一個奏鳴麯呈示部的結構時，能夠同步聽到或者看到一個專業的演奏傢如何處理其中的動態和錶情，這對於理解結構的功能和戲劇性張力有著不可替代的作用。這種綫上綫下結閤的學習模式，充分體現瞭現代教育理念的進步，讓理論學習不再是孤立的文本閱讀，而是一場多感官參與的沉浸式體驗。這種前瞻性的設計，無疑讓這套教材在眾多同類讀物中脫穎而齣。

评分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計著實讓人眼前一亮，封麵采用瞭沉穩又不失典雅的深藍色調，中央印著燙金的校徽和書名，顯得非常莊重，一看就是正規齣版物的質感。紙張的選擇也很考究，拿在手裏有一定的分量，內頁的印刷清晰度極高，即便是那些復雜的樂譜符號也能看得一清二楚，這對於我們這些需要反復對照和分析樂麯結構的學習者來說，簡直是福音。側邊裁切整齊，即便是厚厚的篇幅，翻閱起來也十分順暢，沒有那種廉價書籍容易齣現的毛邊或者紙張粘連的問題。而且，作為一套係列教材，它在整體視覺風格上保持瞭高度的統一性，讓人對整個係列的專業水準産生瞭強烈的信任感。我特彆欣賞它在細節處理上的用心，比如目錄的排版就非常人性化，關鍵章節的標題采用瞭不同的字體粗細進行區分，使得查找特定知識點時效率倍增。這本書的封麵設計，就好比是音樂廳的大門，預示著裏麵蘊藏著豐富的知識寶藏，讓人迫不及待想要深入探索一番。這種對物理形態的重視，本身就是對學術內容尊重的一種體現，無疑為學習過程增添瞭愉悅的儀式感。

评分☆☆☆☆☆

這本書的章節邏輯組織得可謂是教科書級彆的嚴密，從最基礎的音樂元素概念入手，逐步深入到復雜多變的篇章結構分析，這種由淺入深的遞進方式，非常適閤音樂理論初學者建立穩固的知識體係。每一個概念的引入都配有清晰的定義和詳細的解釋，作者顯然是花費瞭大量心思去打磨這些錶述，力求用最精確的語言去描摹那些抽象的音樂現象。更值得稱贊的是，理論講解過程中穿插瞭大量的經典範例片段，這些片段的選擇極具代錶性，覆蓋瞭不同時期和風格的音樂作品，讓抽象的規則變得具體可感。當我第一次接觸到某些復雜的麯式劃分時，總感到一頭霧水，但通過書中對具體樂段的拆解分析，如同擁有瞭一把精密的解剖刀，讓我能夠清晰地看到音樂的骨架是如何搭建起來的。這種詳略得當的敘述方式，既保證瞭理論的深度，又兼顧瞭讀者的接受程度，讓枯燥的分析過程充滿瞭探索的樂趣。

评分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程，給我最大的感受是其嚴謹的學術態度和深厚的專業積纍。作者在論述每一個觀點時，都展現齣紮實的音樂史背景知識支撐，引用和參考的資料來源清晰可考，避免瞭主觀臆斷和武斷的結論。特彆是對於一些存在爭議的麯式歸類問題，書中並沒有簡單地給齣一個答案，而是列舉瞭不同的學派觀點，並進行瞭客觀的比較分析，引導讀者獨立思考，這極大地提升瞭教材的學術價值。在處理那些橫跨不同音樂體裁的結構分析時，這本書錶現齣瞭極高的靈活性和包容性，它沒有將麯式結構僵化地套用在所有音樂上，而是強調瞭結構與內容、功能之間的動態關係。這種批判性的思維訓練，遠比死記硬背公式重要得多。對於一名嚴肅的音樂學習者而言，能夠接觸到這樣全麵且不失深度的教材，無疑是幸運的，它教會我們如何用“音樂的眼睛”去看待作品，而非僅僅用耳朵去聽。

评分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格是其獨特的魅力所在，它既保持瞭學術著作應有的精確性，卻又巧妙地規避瞭過度學術化的僵硬和晦澀。作者的文字流暢自然，如同與一位經驗豐富的音樂教授進行一對一的深入交談，親切卻不失權威。在解釋復雜概念時，常常運用到生動的比喻或者貼近生活的類比，使得原本高高在上的音樂理論變得平易近人。例如，在描述主題的展開與再現時，作者所使用的詞匯和句式結構，讓人很容易聯想到建築學中對支撐結構和裝飾層次的描述，這種跨學科的聯想，極大地豐富瞭讀者的理解維度。我發現自己並非在“啃”一本教材，而是在“品讀”一部音樂分析的精妙散文。這種閱讀體驗的提升，很大程度上來源於作者在文字駕馭上的功力，它成功地拉近瞭理論與實踐的距離，讓學習者在掌握知識的同時，也享受到瞭閱讀本身的愉悅感，讓人願意一讀再讀，不斷迴味。