音樂理論練習冊 作麯技術理論通用譜例集 音樂理論研究譜例 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549556571

商品编码：29867571497

丛书名： 音乐理论练习册

編輯推薦 本書收錄瞭從古希臘時期到二十世紀音樂的經典代錶作品數百首，適用於以統稱“四大件”的和聲學、對位法、麯式學以及配器法為核心構架的作麯技術理論教學，旨在切實提高作麯技術理論共同課教學質量。 內容推薦 《音樂理論練習冊》以完整的“音樂作品”作為重要的齣發點和歸宿點，形成瞭以基本樂理與視唱練耳為為基礎，以“四大件”所有的方麵為核心內容，以歌麯分析與寫作、閤唱為輔助的完整體係。從而能夠適應高等音樂教育體係中作為專業課、作為專業基礎課和作為共同課的作麯技術理論課程的不同需要。 作者簡介 錢仁平，1967年齣生，男，江蘇人。中國現代音樂研究中心主任，教授，博士研究生導師；前武漢音樂學院作麯係係主任，現任上海音樂學院圖書館館長。1993年獲學士學位，1995年武漢音樂學院和聲學碩士，2010年上海音樂學院音樂分析博士。主要從事作麯與作麯技術理論的教學與研究。創作作品主要有鋼琴組麯《SET》、為三支短笛與三對鼓而作的《INTERACTION》、主編《戀戀琴歌》《歲月如歌》等多部根據經典歌麯改編的鋼琴麯集）等。近年來公開發錶的論文主要有：“情緒結構、組織結構、音響結構的整閤”、 “ ‘宏復調’織體形態與結構功能”、“關於新世紀音樂創作前瞻的漫談”、“譚小麟研究之研究”、“與‘驚夢’的三重‘對話’”等。  

 

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《音樂理論練習冊》以完整的“音樂作品”作為重要的齣發點和歸宿點，形成瞭以基本樂理與視唱練耳為為基礎，以“四大件”所有的方麵為核心內容，以歌麯分析與寫作、閤唱為輔助的完整體係。從而能夠適應高等音樂教育體係中作為專業課、作為專業基礎課和作為共同課的作麯技術理論課程的不同需要。

《20世紀音樂思潮與創作實踐》 導論：現代主義的浪潮與對傳統的反思 本書深入剖析瞭20世紀以來西方音樂領域發生的一係列革命性變革。從宏觀的時代背景齣發，探討瞭工業化、兩次世界大戰、弗洛伊德精神分析理論以及尼采哲學對音樂傢創作觀念産生的深遠影響。20世紀音樂不再滿足於浪漫主義晚期所確立的調性體係和情感錶達模式，而是將目光投嚮瞭更廣闊的聽覺空間和更嚴謹的結構邏輯。本書的重點在於梳理二十世紀初期至中期，從德彪西的印象主義對音色和氛圍的強調，到斯特拉文斯基新古典主義對古典形式的迴歸與重構，再到勛伯格無調性與十二音體係的誕生，這些關鍵思想是如何相互作用、彼此影響，並最終塑造齣我們今天所理解的“現代音樂”的圖景。我們將辨析技術革新與美學追求之間的復雜張力，理解作麯傢們如何通過打破既有範式，來尋求新的錶達真理。 第一部分：調性瓦解與十二音體係的誕生 本部分聚焦於二十世紀音樂最核心的結構性轉變——傳統調性的消亡及其替代方案的探索。 第一章：從後浪漫主義的邊緣到自由無調性 詳細考察瞭馬勒、施特勞斯晚期作品中調性色彩的模糊化趨勢，以及德彪西和拉威爾如何利用全音階、五聲音階和復雜的和聲色彩來營造非功能性的聽覺體驗。重點分析瞭斯剋裏亞賓對和聲語言的極端化發展，以及如何為真正意義上的無調性鋪平瞭道路。本章將通過具體的和弦分析，展示音樂如何逐漸脫離大小調功能關係的主導地位。 第二章：勛伯格的“十二音技法”：理性與結構的新框架 這是全書的核心章節之一。詳盡解析瞭阿諾德·勛伯格在1923年前後確立的十二音序列寫作原理。我們不僅會解釋“音列”的構建、轉位、逆行及逆行轉位等基本操作，更重要的是，深入探討其背後的哲學基礎——即在調性崩潰後，如何確保音樂的內在邏輯性和整體統一性。通過分析《鋼琴麯，作品25》和未完成的歌劇片段，展示十二音如何從一種“限製”轉變為一種強大的組織工具。 第三章：第二維也納樂派的群像：韋伯恩的精微與貝爾格的抒情性 在勛伯格奠定基礎後，他的兩位學生——安東·韋伯恩和阿爾班·貝爾格——對十二音技法進行瞭截然不同的發展。韋伯恩的作品以其極端的簡潔、音色的瞬時性和高度的非綫性發展而著稱，本書將分析其對“點狀音樂”（Pointillism）的探索。而貝爾格則巧妙地將十二音的嚴謹結構與傳統調性的殘餘情感色彩相結閤，通過在音列中嵌入“引子音”等手段，創作齣極富錶現力的作品，如小提琴協奏麯。 第二部分：新古典主義的復興與對節奏的解放 本部分轉嚮那些試圖在繼承古典精神與反叛浪漫主義之間尋求平衡的作麯傢群體。 第四章：斯特拉文斯基與“異化”的古典形式 分析伊戈爾·斯特拉文斯基如何通過“新古典主義”的旗幟，對巴洛剋和古典時期的形式（如奏鳴麯、協奏麯、組麯）進行解構和重組。重點剖析《普爾欽奈拉》和《D大調交響麯》中，他如何運用非傳統配器、突然的節奏切分和帶有異域風情的音階，實現對既有風格的戲仿與批判。節奏不再是服從於鏇律和和聲的附屬品，而是成為獨立的、驅動音樂前進的結構力量。 第五章：整體性節奏的探索：巴托剋與民族音樂學的影響 探討匈牙利作麯傢貝拉·巴托剋如何將對東歐民間音樂的田野考察成果，係統地融入到嚴肅音樂創作中。分析他如何運用復雜的、非對稱的節拍結構（如5/8、7/8拍），以及對特定音階和鏇律動機的提煉，來創造齣既充滿原始生命力又具備高度組織性的音樂語言，尤其關注其弦樂四重奏中的“拱形結構”。 第三部分：戰後實驗：聲音的無限可能 二戰結束後，音樂的重心轉嚮對聲音本身、技術與偶然性的極緻探索。 第六章：具體音樂與電子音樂的誕生 詳細介紹皮埃爾·捨費爾的“具體音樂”（Musique Concrète），探討如何使用錄音技術對現實世界的聲音（如自然聲、工業噪音）進行編輯、拼貼和塑形，挑戰瞭“音樂必須是音高與節奏的組織”的傳統觀念。隨後，分析電子閤成器和振蕩器在科隆和達姆施塔特學派中的應用，展示瞭如何從零開始構建全新的音響世界。 第七章：偶然性音樂與留白的美學：約翰·凱奇的東方哲學 深入解析約翰·凱奇對“意圖”和“控製”的顛覆性挑戰。通過對《4分33秒》的深入解讀，揭示其對環境聲音和聽者主觀經驗的關注。本書將詳細闡釋隨機過程（如《易經》的運用）在作麯中的實際操作，以及“留白”或“沉默”在構建音樂結構中的決定性作用，將其置於禪宗哲學的影響下考察。 第八章：序列主義的深化與概率控製 探討戰後作麯傢，如布列茲和施托剋豪森，如何將勛伯格的序列思想推嚮極端，實施“總體序列化”（Total Serialism），將音高、時值、力度、音色等所有參數都納入嚴格的序列控製。分析他們如何試圖通過復雜的數學模型來消除作麯傢個人意誌的乾預，從而追求一種客觀的、宏大的結構。 結論：後現代的展望與多元化的未來 總結20世紀音樂的遺産——一個結構性危機帶來無限可能性的時代。展望21世紀的音樂圖景，探討極簡主義、新浪漫主義以及技術與音樂的進一步融閤，指齣雖然技術路徑和美學觀點趨於多元，但對聲音本體的深刻洞察已成為所有流派共同的財富。本書旨在提供一個清晰的框架，幫助讀者理解這段復雜而輝煌的音樂史。

评分☆☆☆☆☆

這本書在自我檢測和反饋機製上的設計，非常人性化，也體現瞭作者對“學習”這一過程的深刻理解。它不是那種隻給你一個標準答案然後讓你對號入座的練習冊。很多練習題的末尾，會有一個“思考引導”部分，它不會直接告訴你“錯在哪裏”，而是提齣一係列啓發性的問題，引導你自己去迴溯，去比較你寫下的答案和它提供的參考解決方案之間的“審美差異”。比如，當你完成一個四部和聲的練習後，它可能會問：“你選擇的屬七和弦解決到瞭主和弦，但如果解決到關係小三和弦，你認為音樂的張力是增強瞭還是減弱瞭？請用你自己的話描述這種聽覺上的區彆。”這種設計將評估的重點從“對錯判斷”轉移到瞭“判斷能力的培養”上。這使得練習環節不再是機械的機械重復，而更像是一場持續性的、自我修正的對話。這種引導式的學習方法，對於培養獨立思考和建立個人音樂語感，具有不可估量的作用。

评分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程，與其說是學習，不如說是一場穿越時空與大師對話的旅程。它最吸引我的地方在於，它似乎不滿足於僅僅羅列規則，而是緻力於揭示規則背後的“為什麼”。我記得有一次，我被某個不協和音程的解決方式睏擾瞭很久，市麵上很多書隻是機械地告訴我“應該怎麼做”，而這本書，卻花瞭大篇幅去探討中世紀以來不同作麯學派對這個音響效果的審美變遷，從帕萊斯特裏那的純淨到瓦格納的張力釋放，它用大量的實例對比，讓我明白瞭所謂的“正確”其實是特定曆史時期審美選擇的結果。這種宏大的曆史視野和對音樂哲學層麵的探討，極大地拓寬瞭我的思維邊界。它強迫你去思考，當你寫下每一個音符時，你是在繼承傳統，還是在挑戰權威？這種帶著批判性思維去學習理論的方式，遠比死記硬背那些枯燥的規則要來得有趣和深刻得多。我感覺自己不再是一個機械的符號操作者，而是一個有意識的音樂構建者。

评分☆☆☆☆☆

我必須得提到這本書在引用例證方麵的廣度和深度，這簡直是一位博學多纔的老師在身邊指導。它的麯目選擇絕非僅限於我們耳熟能詳的德奧古典樂派。我驚喜地發現，書中對印象派的德彪西和拉威爾的和聲處理，以及二十世紀早期如斯特拉文斯基和巴托剋的配器手法，都有非常精到的分析。更讓我意外的是，它甚至節選瞭一些現代音樂，比如極簡主義或序列音樂中關於節奏和音色的操作手法，雖然這些內容對我來說暫時還有些挑戰性，但至少讓我看到瞭理論的邊界正在不斷延伸。書中對這些復雜作品的分析，不是那種套路化的和弦標記，而是深入到作麯傢獨特的“思維模式”去解讀。例如，它在分析肖斯塔科維奇的一段配器時，會詳細拆解他是如何利用管樂器的特定音區和音色組閤，來製造齣那種特有的“黑色幽默”效果的。這種不拘一格、麵嚮全音樂史的例子引用，極大地提升瞭這本書的專業性和實用價值。

评分☆☆☆☆☆

這本書在結構組織上展現齣一種令人驚嘆的邏輯連貫性，它采取瞭一種螺鏇上升的學習路徑。不同於我之前讀過的那些按部就班、綫性推進的教材，這本書巧妙地將基礎概念與高階應用穿插進行。比如，在介紹完基本的調式和弦後，它並沒有立刻進入復雜的轉調技巧，而是立刻引入瞭一段巴赫平均律中巧妙運用該和弦的範例，用真實的作品來“印證”和“活化”剛剛學到的知識點。這種先理論、後實踐、再用更深層次理論迴溯實踐的設計，讓知識的吸收過程變得無比自然和高效。每完成一個大的章節，它都會有一個“理論融匯”的小節，那裏會把之前分散在不同章節的知識點，通過一個復雜的多聲部織體重新整閤起來。我發現，當我讀到後麵的內容時，很多之前覺得晦澀難懂的概念，在新的語境下突然“豁然開朗”，因為它們已經被巧妙地嵌入到瞭一個更大的知識網絡之中。這種編排，非常適閤那些追求深度理解而非錶麵記憶的學習者。

评分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計給我留下瞭深刻的印象，那種典雅而不失現代感的封麵，特彆是封底那句關於“音樂的本質與結構”的引言，瞬間就抓住瞭我這個音樂學習者的心。內頁的紙張質感也非常好，油墨印刷清晰銳利，即便是復雜的五綫譜和和聲圖錶，看起來也毫不費力。我特彆欣賞它在版式布局上的用心，每一頁的留白都恰到好處，既保證瞭信息的密度，又避免瞭視覺上的擁擠。舉個例子，它在講解某個特定的對位法原則時，旁邊會配上一小塊留白區域，用非常簡潔的文字概括瞭該原則的曆史淵源和實際應用中的注意事項，這種設計體現瞭編者對閱讀體驗的極緻追求。更值得稱道的是，一些理論概念的圖示，比如聲部進行的可視化模型，它沒有采用韆篇一律的僵硬圖錶，而是用瞭一種更具流動性的綫條和色彩來輔助理解，這對於初學者來說，無疑是極大的福音，它讓原本抽象的理論變得觸手可及。雖然我還沒有深入到每一個練習題，但僅憑這細緻入微的排版和印刷質量，我就覺得物超所值，這完全不像是一本普通的教材，更像是一件精心打磨的藝術品。